FELIZ KWANZAA

Entre tantos festejos en éstas fechas encontré la festividad Afro-Americana KWANZAA que me pareció muy buena, con ciertos valores rescatables...si así funcionara sería excelente.

Kwanzaa es una celebración Afro-Americana extraordinaria con enfoque a los valores africanos tradicionales de la familia, de responsabilidad de comunidad, del comercio y de la auto-mejora. Kwanzaa no es político ni religioso y a pesar de algunas equivocaciones, no es un sustituto de la Navidad. Es simplemente un tiempo de reafirmar a personas Afro-Americanas con sus antepasados y su cultura. Se celebra entre el 26 de diciembre y el 01 de enero casi exclusivamente por los afroamericanos de Estados Unidos.

Kwanzaa fue fundado por Dr. Maulana 'Ron' Karenga, un nacionalista negro y activista, y fue primero celebrado del año 1966 al 1967. El nombre "Kwanzaa" es originalmente de la frase de suajili, "matunda ya kwanza" que siginfica "primeras frutas." Kwanzaa tiene "Siete Principios de Negritud", o Nguzo Saba. Cada uno de los siete días de Kwanzaa es dedicado a uno de los principios siguientes. En la secuencia, ellos son:

• Umoja (Unidad) importancia de la unión de la familia y la comunidad que se refleja en el dicho africano “soy nosotros”
• Kujichagulia (Autodeterminación) define los intereses comunes y se toman decisiones que sean mejor para la familia y la comunidad.
• Ujima (Trabajo colectivo y Responsibilidad) obligación al pasado, presente y futuro y el papel en la comunidad, sociedad y en el mundo.
• Ujamaa (Economía Cooperativa) Acentúa fuerza económica colectiva y alienta a encontrar necesidades comunes para el apoyo mutuo.
• Nia (Objetivo y Dirección) mirar dentro de si mismos para poner metas personales beneficiosas para la comunidad.
• Kuumba (Creatividad) Utilizar la energía creativa para construir y mantener una comunidad fuerte y vibrante.
• Imani (Fe) honrar lo mejor de las tradiciones, atracción sobre lo mejor de si mismos, ayuda a esforzarse para un nivel más alto de vida para la humanidad, afirmando la autoestima y la confianza en la habilidad personal para triunfar y triunfar en la lucha justa.

Las familias que celebran Kwanzaa decoran sus casas con objetos de arte, tela africana vistosa, y frutas frescas que representan el idealismo africano. Aunque fuera al principio animado a practicar Kwanzaa y excluir otras fiestas, muchos celebrantes hoy deciden unirla con otras festividades como Navidad o Año Nuevo. Para muchos participantes Afroamericanos Kwanzaa es una oportunidad de incorporar elementos de su herencia étnica particular en celebraciones preexistentes.

POLLOCK ES CARO CARO...

Perdida por la red veo que el cuadro más caro de la historia hasta ahora es del artista Jackson Pollock.
La obra "No.5, 1948", así su título, se dice que se vendió en U$S 140:ooo.ooo, una baratija jejeje. Aunque no está confirmada la venta, de ser así superaría el record mundial anterior establecido en junio por un retrato de 1907 pintado por el mismísimo Gustav Klimt -uno de mis preferidos, ya saben qué regalarme para Navidad- que se vendió en U$S 135:000.000.

La obra No.5, 1948 fue pintada por el genio del expresionismo abstracto (Pollock) utilizando el dripping.

Pollock desarrolló técnicas como el splashing o el dripping, donde lanzaba pintura o la dejaba gotear encima de lienzos (action painting). A causa de esta forma de pintar, Pollock fue apodado “Jack the Dripper” (juego de palabras con “Jack the Ripper” o “Jack el Destripador”, y “Dripper” o “goteador” y que podríamos traducir como “Jack el Goteador”). Si quieren probar pintar con sus técnicas pueden ir a http://www.jacksonpollock.org/ y hacer una hermosa obra personal estilo Pollock, aunque no sé si la venderán tan cara, jejeje.

Pollock es considerado uno de los pintores más influyentes del siglo XX. Entre otras cosas, contribuyó al surgimiento del llamado expresionismo abstracto. Muchos lo describen como un genio atormentado, que batalló contra la depresión y el alcoholismo. Murió en un accidente de auto en 1956, a los 44 años, realmente muy joven.


A mi particularmente me gusta una de sus serigrafías, muy simple pero hermosa...

Datito: Ed Harris llevó al cine la vida de Pollock en el año 200 con una película excelente donde además de ser director también era protagonista. Ahí se aprecia claramente su forma de crear.

GEHRY TAN BUENO COMO UN BUEN VINO...

Para mi deleite (y el de muchos) Frank Gehry, el arquitecto del museo Guggenhiem de Bilbao -del que ya hice referencia hace unos meses-, vuelve a hacerse cargo de una obra en España.

Para usar los términos correctos, se puede decir que es el mejor maridaje hasta ahora, vino y titanio combinado por el gran Gehry. Los propietarios de la afamada vitivinícola española Marqués de Riscal, no se dieron por vencidos e invitaron a Gehry a visitar sus antiguas bodegas en Elciego, epicentro de la actividad vinícola en la región de la Rioja Alavesa, en el País Vasco.

Ahí, le sacaron a Gehry una botella del año de su nacimiento: 1929 y, según comentó el arquitecto al diario español El Mundo, “Estaba muy buena, y después de unas cuantas copas, acepté”. Ese proyecto, que al principio sólo iba a ser una nueva cubierta para las viejas bodegas, fue creciendo a lo que ahora es la Ciudad del Vino, un complejo inaugurado oficialmente el pasado 10 de octubre por el rey Juan Carlos y que abarca las centenarias bodegas de Marqués de Riscal, un spa de vinoterapia, un restaurante y el edificio de Gehry, que es tanto hotel como sede corporativa de la compañía.

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A diferencia del Guggenheim, las placas de titanio han sido coloreadas con tonos que aluden al vino y la identidad de Marqués de Riscal: rosa para representar un encendido tinto; dorado, como la malla que recubre las botellas de Riscal y plata, como la cápsula que cubre el tapón de corcho.

“He querido diseñar algo excitante, de fiesta, porque el vino es placer”, señaló Frank Gehry y yo agrego, que es un placer ver la obra de este arquitecto.

Datito curioso: Frank Gehry fue estrella invitada en la serie The Simpson (temporada 16, episodio 14) diseñando el "Springfield Town Hall" que después se termina como una cárcel.

LAMPARA DE LAVA

Qué lindo es ver las gototas de cera moverse dentro de una lámpara de lava, uno podría estar rato en ese menester, está bien, no alumbra demasiado pero qué buen objeto de decoración...

La lámpara de lava es invento del inglés Edward Craven Walker y la presentó por primera vez en una feria en el año 1965 en Hamburgo, Alemania.
Wertheimer y su socio de negocio Hy Spector compraron los derechos americanos del producto y comenzaron a producirlo como la "Lava Lite®" en una corporación llamada Haggerty Enterprises y negociando bajo el nombre "Lava World International@"


La lámpara de lava se hizo un icono de los años 1960, donde el constante cambio y la demostración intensa de color fueron comparados a las alucinaciones psicodélicas de ciertas drogas populares recreacionales, como el LSD.


En los años 1990 Walker vendió sus derechos a Cressida Granger, cuya compañía Mathmos sigue haciendo lámparas de lava y otros productos relacionados.

La verdad es un objeto que me encanta y me atrapa, no sé si serán los colores, el movimiento o qué...pero quedo ahhhhhhhhhhh extasiada...

EL HOMBRE DE LA CORBATA ROJA

Hace unos días revisando minusiosamente la ciudad de Montevideo desde la ventanilla del ómnibus descubrí un afiche de un nuevo espectáculo de Julio Bocca.

La info, la de siempre, día, lugar, hora etc etc, lo que me llamó la atención fue la imagen. Bocca en una pirueta vestido de traje clarito y una corbata roja muyy larga...
Mmmmmm esa imagen la conosco, esa imagen la conosco, me fui todo el camino tratando de acordarme con qué lo asociaba. Como esas dudas me carcomen me senté frente a la PC y lo encontré, fiuuu respiré jajaja es una de esas dudas que no te dejan dormir y dan vuelta en la cabeza todo el día.
Ese afiche, como todo su espectáculo hace alusión a un cuadro del artista plástico argentino Antonio Seguí.

Curiosamente, Natalia Kohen escritora argentina en París, en una muestra, conoce la pintura que tiempo después compraría. Posteriormente escribe y publica un cuento basado en esa pintura cuyo personaje era una mujer que se enamora del "tipito" del cuadro con su corbata roja. Esta historia lee Elio Marchi y se enamora pensando en la posibilidad de un guión para un ballet y para Julio Bocca.

Me encanta cuando se entremezclan las artes, esas guiñadas que le hace el espectáculo al arte plástico me hace acordar de otro ajemplo. En la remake de la película "The Thomas Crown Affaire" (1999), Pierce Brosnan y una cantidad de extras se visten como el hombre del cuadro de René Magritte "El hijo del hombre" con traje negro y sombrero bombín para burlar a todos los guardias y a la mismisima Chaterine (René Russo) cuando roba el cuadro de Monet.

FOTO DE MAYOR RESOLUCION DEL MUNDO...

Mi amigo Mauri me acercó esta info y quedé de boca abierta...

Se presentó en internet la foto con mayor resolución el mundo, 8,6 gigapixeles!!!
Fue tomada de la obra "Parete Gaudenziana" que se encuentra en la iglesia Santa María delle Grazie, en Varallo Sesia, Italia.

Si bien no existe una cámara con esa resolución, esta imagen es una unión de 1145 fotos de 12,2 megapixeles cada una, eso permite navegar de derecha a izquierda y de abajo hacia arriba por toda la imagen en la página donde está alojada además de poder hacer zoom casi 200 veces...

http://haltadefinizione.deagostini.it/

Les recomiendo la visiten y se tomen su tiempo para ver los detalles que son impresionantes!!!

THE BEATLES POR CIRQUE DU SOLEIL

Después del pedido de los Beatles Ringo y Paul junto a Yoko Ono Lennon y Olivia Harrison, a Sir George Martin -el legendario productor de The Beatles- para que realizara mezclas con las cintas masters originales para una colaboración con el Cirque du Soleil, Sir George Martin y su hijo Giles Martin comenzaron a trabajar con la totalidad de los archivos de las grabaciones de Beatles para crear el nuevo álbum, ‘LOVE’.

El resultado es un acercamiento sin precedentes a la música. Usando los masters originales en los Estudios Abbey Road, Sir George Martin y su hijo crearon un entorno sonoro único.

“La música fue originalmente diseñada para el show LOVE en Las Vegas, pero al hacer esto, hemos creado un nuevo álbum de The Beatles” dijo Sir George Martin. “The Beatles siempre han buscado otros modos de expresión de ellos mismos y esto es otro paso adelante para ellos”.-”Este álbum reunió a los Beatles nuevamente, porque de repente John y George estaban junto a Ringo y a mi” dijo Paul McCartney. “Es como algo mágico”.

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Con LOVE, Cirque du Soleil celebrael legado musical de The Beatles

LOVE y la magia de Cirque du Soleil junto al espíritu y la pasión dentrás del grupo más amado de todos los tiempos, crean una vívida, íntima y poderosa experiencia.

LA PUERTA DE EUROPA

La Puerta de Europa está conformada por dos torres madrileñas, más conocidas por Torres KIO (ya que fueron promovidas por la empresa Kuwait Investments Office).

Bajo las torres el movimiento de gente es impresionante, hay una terminal donde convergen miles de ómnibus desde las afueras de Madrid. Además allí también es la última parada de metro, es decir, la gente se baja del ómnibus y se toma el metro para seguir camino. Para una montevideana ese moviemiento de gente era "la locura hecha carne" jajajaja, pero una vez que le tomás el ritmo es todo muy fácil y entendés que el metro es lo mejor que te puede pasar jajaja.

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Son dos torres inclinadas la una hacia la otra, 15° respecto a la vertical, con una altura de 114 m. y 26 plantas. Están situadas, en la Plaza de Castilla de Madrid. Se inauguraron simultáneamente en 1996 y son obra de los arquitectos Philip Johnson y John Burgee. Fueron los primeros rascacielos inclinados que se construyeron en el mundo.

La torre de la izquierda en dirección salida de Madrid se conoce como Puerta de Europa I en tanto que la otra se conoce como Puerta de Europa II. Para evitar su confusión la primera dispone de un helipuerto pintado en color azul y la segunda en rojo. La torre de la izquierda tiene el logotipo de Caja Madrid, mientras que la torre de la derecha, tiene el logotipo de Realia, una empresa inmobiliaria. (El logotipo de Realia fue añadido posteriormente.)

Una curiosidad de estás torres es que en la película El día de la bestia (1995) se hace mucha referencia a ellas, dicen que son una señal del diablo (la película es una comedia) y las escenas finales discurren en la base y el interior, aún en obras, de una de las torres.

La libertad de expresión no es un lujo. es un derecho.

Reporteros sin fronteras organiza del 7 al 8 de noviembre de 2006: 24 horas contra la censura en Internet.

Todo el mundo está invitado a conectarse en www.rsf.org entre el martes 7 de noviembre a las 11 horas y el miércoles 8 a la misma hora.

Actualmente hay más de 60 ciberdisidentes encarcelados en todo el mundo, por intentar expresarse en Internet. En 13 Estados está prohibido lo que, en la mayoría de países del mundo, parece simple para todos. En China, Túnez, Egipto, manifestar una opinión en un blog, o en un sitio, puede llevar a la cárcel. Para rechazar la censura y sensibilizar al mayor número de personas sobre esta situación, Reporteros sin Fronteras pone en marcha, por primera vez, una gran operación : 24 horas contra la censura en Internet. El público en general, los internautas, los bloggers, los periodistas, los estudiantes, están invitados a denunciar la censura con un simple clic.

Más info en http://www.rsf.org/article.php3?id_article=19560

MERCEDES A PURO JAZZ

En enero próximo se llevará a cabo un gran festival de jazz nada más ni nada menos que en la ciudad de Mercedes, Uruguay, JAZZ A LA CALLE.

El pasado 20 de nov. se hizo el lanzamiento oficial con un concierto que reunió músicos de Montevideo y Mercedes en el Teatro Municipal. Jazz a la calle pretende llevar ese género a todos los rincones de la ciudad y accesible a toda la gente. Como no es un estilo demasiado difundido en la zona se implementaron clínicas a cargo de músicos de jazz que se viene dando desde mayo de este año. Así, los mercedarios, se dieron el lujo de aprender sobre el jazz en el piano con el cubano Juan Prada García, percusión con Nicolás Arnicho, batería con Osvaldo Fattoruso o trombón con Artigas Leal entre otros muchos, muchísimos excelentes músicos.

El festival se llevará a cabo del 7 al 14 de enero de 2007 con diferentes escenarios en toda la ciudad de Mercedes (Castillo Mauá, Calera Real, Paseo del Puerto, etc) y los organizadores se comprometieron con la intendencia de que todos los espectáculos fueran gratuitos.

http://www.jazzalacalle.com/

SEÑORA NO ME TOQUE LA FRUTAAA...

Dembulando de blog en blog me encontré con un invento espectacular para todos los que comemos mucha fruta y hacemos ciertas exigencias jejejejejejeje (en otras palabras el terror de los feriantes y puesteros) http://www.eblog.com.ar/?p=1204

La empresa Jenkis, de Nueva Zelanda inventó el , un sensor que indica el grado de madurez de la fruta, increíble jajajajaja. Se puede elegir la fruta de acuerdo al gusto de cada consumidor, por ejemplo: si el sensor está rojo sabemos que la fruta está al pricipio de su maduración y tiene un tiempo de conservación significativo, si está anaranjado significa que la fruta está firme y si está amarillo es porque la fruta está jugosa.

De esta forma evitamos que la fruta sea tocada, apretada, pinchada para saber si está como a nosotros nos gusta, y eso trae una reducción de pérdidas -porque mucha fruta se desperdicia por esas acciones-, además de una mayor seguridad de higiene ya que no hay manipulación.

www.ripeSense.com

DIEGO MASI EN BLANCO Y NEGRO

Yo conocí la obra de Diego Masi de casualidad, hace unos años en Montevideo Shopping y me atrapó...

Buscando info vi que además de sus obras plásticas tiene objetos y ha hecho trabajos bastante singulares, entre ellos uno que todos deben tener presente, llenar de lunares blancos los caballos del monumento de Fabini en la plaza del mismo nombre (conocida como Pza. del entrevero).












Otros trabajos son escenografías para diferentes obras de teatro, pintura en la iglesia de los Padres Conventuales, mural en Espacio Ciencia-LATU, diseño de luces para la presentación del disco "Tengo recuperación" de Samantha Navarro (si de algo sabe Masi es de luces y sombras jejej) y hasta forma parte del equipo de diseñadores de sellos postales de la Dirección nacional de Correos.

Además de todas las exposiciones individuales y colectivas en las que participó, tiene en su haber varios premios nacionales e internacionales.

DIA INTERNACIONAL DE LA MUSICA

Ayer domingo 22 se celebró el Día Internacional de la Música y como me unen a esa forma de arte tantos años no podía dejarlo pasar.

En el año 1594 Santa Cecilia fue nombrada patrona de la música por el Papa Gregorio XIII y, a través de los siglos, su figura ha permanecido venerada por la humanidad con ese padrinazgo. Su fiesta es el 22 de noviembre, fecha que corresponde con su nacimiento y que ha sido adoptada mundialmente como el Día de la Música.

Cuando era una niñita loca jejeje ya estaba en el coro de la escuela y siempre cantábamos una canción de ABBA que me fascina, por eso mi homenaje a la música es la letra de ese tema que me trae tanto recuerdos... (toy vieja? me toy ablandando? jiji).

Abba Gracias Por La Musica(B.Andersson/B.Ulvaeus)

Soy muy sencilla
y algo aburrida tal vez
las bromas que sé, me salen seguro al revés
pero hay un talento, en mí singular
y es que la gente me escucha al cantar
y me hace feliz
orgullosa lo puedo anunciar, por eso

Quiero dar las gracias
a las canciones
que transmiten emociones
quiero dar las gracias
por lo que me hacen sentir, debo admitir
que con la música vale vivir
por eso quiero dar las gracias por este don en mí.

Todos decían que fuí una niña precoz
bailé y canté y sobresalí por mi voz
y hoy me pregunto cual es la razón
por que siempre gana la gran atención
una simple canción
si he hace con el corazón, por eso...

Quiero dar las graciasa las canciones
que transmiten emociones
quiero dar las gracias
por lo que me hacen sentir, debo admitir
que con la música vale vivir
por eso quiero dar las gracias por este don en mí.

Que suerte tuve
soy tan dichosa al cantar
quiero que todos disfrutemos juntos
que feliz, que placer, exclamar
Quiero dar las graciasa las canciones
que transmiten emociones
quiero dar las gracias
por lo que me hacen sentir, debo admitir
que con la música vale vivir
por eso quiero dar las gracias
por este don en mí.
por eso quiero dar las gracias por este don en mí.

BETTIE PAGE, MISS PIN UP.

Sureña de pura cepa, Bettie Page fue la segunda hija de un mecánico y un ama de casa con sangre cherokee. Después de pasar una infancia difícil, terminó la escuela y se mudó a Nueva York. Allí trabajó como secretaria y empezó a hacer de modelo para fotógrafos. Su talento natural hizo el resto y en seguida destacó como la "Reina del Bondage". Era feliz posando y sabía explotar como nadie su imagen tierna y sensual. Y no tardó en convertirse en la modelo más codiciada de la década.

En los ´50 era difícil abrir una revista de hombres sin encontrar dentro alguna foto de Bettie Page. En el cine hizo "Strip-o-Rama" y más tarde "Varietease" (1954) y "Teaserama" (1955), joyas todas del cine erótico de esos tiempos. Hasta el director Howard Hughes intentó ficharla. Pero ella declinó la oferta. Lo suyo era posar.

Conoció entonces a la fotógrafa (y pin-up) Bunny Yeager y con ella se hizo algunas de sus fotos más famosas, incluyendo el póster central de Playboy de enero del '55. El mismo año fue elegida "Pin-up Girl of the World". Estaba en la cresta de la ola.




Pero al terminar la década, cansada de todo o quizá temerosa de envejecer "en público", tomó sus cosas y desapareció del mapa. Poco se sabe a partir de ahí. Al parecer tuvo una "experiencia religiosa" y trabajó durante años en organizaciones cristianas. En los '80 el culto a su imagen renació y en 1993 el programa "The Lifestyles of the Rich and Famous" la encontró y la entrevistó por teléfono. Bettie dijo no saber nada de su renacida popularidad y pidió que la dejaran seguir en el anonimato...



Muchos verán en ella cierto parecido con la imagen de Natalia Oreiro, pues así es, la uruguaya es fiel seguidora de Bettie Page. Además de ser muy parecida físicamente, hasta tuvo su época “Page” con cerquillito y todo como podrán ver en las fotos.

LAS HERMOSAS PIN UP

Les podrá parecer raro que hoy postee éstas imágenes pero realmente adoro la estética de las PIN UPS...

La expresión "pin-up" se empezó a utilizar en EEUU en las décadas de los '40 y '50. Con este nombre se conocen los dibujos (o fotografías) de chicas bonitas en actitudes sugerentes. Su éxito fue tan rotundo que con el tiempo han llegado a influir en muchos terrenos. Sólo hay que fijarse en el cine, la televisión, la publicidad, los cómics... Las pin-ups siguen un patrón: son mujeres bonitas, sensuales, normalmente captadas en situaciones "comprometidas" y que destilan erotismo e ingenuidad por todos sus poros. No hace falta que estén desnudas (de hecho casi nunca lo están). Su encanto reside en sus poses y sus miradas, en esa falda que enseña lo justo, o en esa lencería que sugiere más que enseña. Recatadas al principio, descocadas al final, las pin-ups revolucionaron el concepto de belleza y dieron cuerpo a un nuevo icono de la feminidad: la "cheesecake" o "girl-next-door".


Desde las revistas y los calendarios (forma de publicidad muy extendida en la época) llegaron a todos los rincones. Con el apogeo de la fotografía las ilustraciones perdieron peso y algunas modelos se especializaron en el striptease o el cine. Su popularidad fue tal que hasta el gobierno americano llegó a regalar pin-ups a los soldados para que las colgaran en sus taquillas y les subieran la “moral” durante la 2ª Guerra Mundial.

Aunque entre las chicas pin-up hubo un grupo de auténticas diosas como Bettie Page y Tempest Storm, fue toda una generación de mujeres la que contribuyó a convertir el glamour, la seducción y el desnudo femenino en un arte para las masas.

Aunque entre las chicas pin-up hubo un grupo de auténticas diosas como Bettie Page y Tempest Storm, fue toda una generación de mujeres la que contribuyó a convertir el glamour, la seducción y el desnudo femenino en un arte para las masas. En los años ´40 y ´50, mientras Vargas, Petty y compañía creaban sus modelos de "cheesecake" en calendarios y postales, hordas de mujeres liberales y liberadas se sacudían la represión puritana y se lanzaban a lucir sus encantos en los escenarios. Eran los años del glamour, el striptease y el music hall.

Fueron muchas las bellezas que hicieron gala de su talento en los locales que proliferaron por todo el mundo. Y hubo de todo. Pin-ups como Dixie Evans o Irish McCalla que se especializaron en el striptease y el burlesque (mezcla de baile, comedia y erotismo). O como Mamie Van Doren, Marilyn Monroe, Anita Ekberg y Jayne Mansfield que iban y venían de Hollywood. O incluso hubo quien se pasó al otro lado de la cámara como la pin-up fotógrafa Bunny Yeager. Sea como fuera, la mayoría acabaron posando alguna vez en las revistas para hombres de la época, las "Girlie magazines". Y aunque las menos afortunadas acabaron haciendo películas de serie B o posando para aspirantes a fotógrafo o ilustrador, todas (famosas y anónimas) comparten el mérito de haber dado cuerpo a un nuevo icono de feminidad: la "chica pin-up".

Quien merece un capítulo especial es la gran Bettie Page, es la auténtica musa del glamour y del erotismo y, aún hoy, es todo un símbolo sexual. Se estima que, con cerca de 20.000 fotografías, ha sido la pin-up más retratada de la historia. El próximo post será para ella...

http://www.thepinupfiles.com/

ANTONI GAUDI EL MODERNISTA

Gracias a un pedido de mi amigo Mariolo, me meto un poco con Gaudí y su obra modernista que es maravillosa. A modo de reseña les copio una biografía sumamente abreviada. A título personalisimo lo que más me gusta en sus obras son los mosaicos, qué hermosas cosas lograba con un montón de baldositas rotas!!! No por nada fue el primer arquitecto que recicló materiales en la construcción.
Les pido por favor que vean las fotos que son imperdibles...van a encontrar algunas de las obras más conocidas como la Iglesia de la Sagrada familia con sus ocho torres -todavía en construcción-, la Casa Milá conocida como La Pedrera con esos balcones ondulados de los que cuelgan formas de hierro como si fueran plantas, el hermoso Parque Güell con sus escalinatas, mosaicos, columnas dóricas, rosetones, fuentes declarado patrimonio de la humanidad por la UNESCO (Eusebio Güel, comerciante, fue un gran mecenas para Gaudí apoyando varias de sus obras) Casa Batlló con su frente de mosaicos -donde yo quiero vivir jeje-, muebles, puertas, y muchos etc etc etc.

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Arquitecto y diseñador, Antoni Gaudí es internacionalmente la figura más prestigiosa de la arquitectura española. Nacido en Reus, Cataluña, se titula en 1878 en Barcelona donde ejerce principalmente su actividad. Gran diseñador, creó en estrecha colaboración con los mejores artesanos de su época todos los elementos que conforman el espacio arquitectónico – hierro forjado, muebles, vidrieras, esculturas, mosaicos, cerámicas, etc.- con una concepción orgánica de la decoración que incorpora estos elementos en la estructura de la construcción. El paisaje marino es uno de sus temas de inspiración preferidos.Admirado y criticado en su época, por la singularidad y la audacia de sus innovaciones goza hoy en día de una notoriedad indiscutible y universalmente reconocida, tanto en los círculos especializados como en el gran público.

Modernismo: rechaza el estilo poco atractivo de la arquitectura industrial de la primera mitad del siglo XIX y desarrolla nuevos conceptos arquitectónicos basados en la Naturaleza, que consisten en los materiales de construcción que se emplean, en las formas de los edificios y en las figuras de sus fachadas. Los arquitectos y sus escultores colocan en el exterior de los edificios pájaros, mariposas, hojas y flores a modo de elementos decorativos, ya sea como figuras adosadas o como adorno de la piedra o cerámica. También se colocan figuras de tamaño mayor, animales fabulosos o personas, y en las cornisas elementos de cerámica de color. Las ventanas y los balcones disponen de rejas de hierro forjado, que son labradas artísticamente y contienen motivos inspirados en la Naturaleza.

Curiosidades
· era un hombre que se conformaba con poco y vestía de manera poco cuidada; el día que tuvo el accidente nadie lo reconoció en el suelo. El día siete de Junio fue atropellado por un tranvía en el cruce de las calles Bailén y Gran Vía, y los taxistas se negaron a llevar a un pobre vagabundo hasta el hospital. Llevaba la ropa prendida con alfileres de gancho.
· Su cuerpo fue enterrado en la cripta de la obra donde trabajó casi 43 últimos años de su vida, la Sagrada Família.
· Gaudí está en proceso de beatificación.

MODA ETICA

Una red mundial promueve la “Moda ética”, que respeta los derechos humanos y el medio ambiente.

Que quede bien al cuerpo. Que siga la moda de temporada. Que sea de buena calidad. Que impacte. Más allá de las premisas conocidas del mundo fashion, desde hace dos años un grupo de diseñadores organiza un emprendimiento que reza que las prendas de moda, además de todo lo que ya se sabe, deben ser éticas.
Conocida también como “moda para el desarrollo”, cuenta con un manifiesto que busca la dignidad de los productores, las cadenas solidarias de comercialización, el reconocimiento de la cultura de los países del Sur y la utilización de materiales reciclados y no agresivos con el medio ambiente. http://ethicalfashionshow.com/langues.htm

Lejos de las acciones filantrópicas de la haute couture (alta costura), el movimiento trata de imponer la tendencia de lo políticamente correcto en el frívolo mundo de la moda. Desde hace dos años, en los talleres de los más de 50 modistos adheridos al EFS se respetan a rajatabla los derechos laborales como lo dicta la OIT, trabajan en colaboración con los artesanos locales, invierten parte de sus ganancias en acciones comunitarias locales que involucra a los trabajadores y buscan que sus productos ofrezcan creatividad, calidad y precio.

Entre los productores asociados está el Proyecto Misericordia, una alianza entre trabajadores de Perú y Francia que diseña ropa deportiva escolar con la leyenda de la marca; las realizaciones textiles de Veja, con sede en el nordeste brasileño; Tudo Bom?, un grupo de costureras de Río de Janeiro que crean coloridas camisetas para el mercado francés y Collpart, una serie de accesorios confeccionados íntegramente con materiales reciclados.
http://www.ciudad.com.ar/ar/AR_Nota_2005/0,3813,3145,00.asp

TEMPLO INGLES

Uff ya sé que se habló en todos lados del Día del patrimonio, yo aproveché y fui a conocer, entre otras cosas, el Templo Inglés que me llamaba muchísimo la atención cada vez que pasaba por la rambla.













La Catedral de la Santísima Trinidad o Holy Trinity Church de afuera no dice mucho, adentro una maravilla, vitraux, mármoles, tallas en madera y como para hacer más sorprendente la visita nos recibe una sacerdote que nos invita a la misa del domingo de las 11:30 hs para uruguayos -en español- (porque la de las 10:00 es en inglés, qué tal?) y además nos entrega un folleto con la historia del templo del que saqué algunos datos que paso a contarles...

El 1º de enero del año 1844 se coloca la piedra fundamental en una ceremonia donde asistieron entre otros el Presidente Joaquín Suárez, ministros, diplomáticos, etc. El terreno y el edificio fueron donación de Sr. Samuel Lafone y así se constituye en la primer iglesia no romana de América latina.

Originariamente se levantó en una saliente de la costa que formaba el Cubo del Sur del Montevideo colonial. Luego fue trasladado debido a las obras de trazado de la rambla Sur. En esa oportunidad la piedra fundamental fue colocada por Sir Millington Drake en 1935 y se construyó un salón al costado que se le llamó “Lafone Hall” (suena tan poco La Teja jajajajaja)

El edificio tiene vitrales ingleses con pasajes de la vida de Jesucristo,; un tabique de hierro calado que separa el espacio del coro y el órgano especialmente traído de Europa donde un virtuoso nos deleitaba con la obra El Fantasma de la Ópera. La pila bautismal y el púlpito elevado son de mármol como también dos placas conmemorativas de las guerras mundiales con nombres de voluntarios que participaron desde Uruguay y perdieron sus vidas, y el Memorial de la batalla del Río de la Plata entre las naves Ajas, Exeter y Aquiles contra el acorazado alemán Graf Spee.



A pesar de haberse gestionado su construcción desde la época del sitio de Montevideo, fue recién después de 1988 que se formó la Diócesis Uruguaya de la iglesia anglicana, (antes dependía de la Diócesis Argentina) y gracias a la iglesia anglicana de Brasil en la década del 70 empezaron las primeras actividades en español.

ELADIO DIESTE, EL SEÑOR DE LOS LADRILLOS

Una fiesta más del patrimonio y este año se homenajea al Ing. Eladio Dieste. Una obra excelente en todo sentido, mis canturreos corales me llevaron a la hermosa obra de la iglesia de Durazno algunos años atrás. No puedo explicar la sensación de entrar a ese recinto y ver el altar iluminado con la luz del sol, al dar la vuelta veo un hermoso rosetón de ladrillos cual vitraux, magnífico!!!





''RACIONALISTA'' y ''HUMANISTA'' son quizás los adjetivos que mejor describen al ingeniero Eladio Dieste (1917-2000); dos cualidades personales que se proyectan en el extraordinario conjunto de sus creaciones arquitectónicas. Su profunda sensibilidad humana y su gran capacidad de percepción hicieron de su obra una perfecta adecuación a las necesidades históricas, sociales y económicas de su país y de su gente. En sus trabajos se vislumbra la notable comunión entre todos y cada uno de los elementos que allí intervienen: mano de obra, materiales, formas, luz y espacios. Con plena conciencia, y atendiendo cada uno de estos factores, edificó su obra en base a las tradiciones y las restricciones propias del lugar en el que se hallaba. http://www.patrimoniouruguay.net/diadelpatrimonio2006/patrimoniohome.htm

"He procurado ser coherente con las exigencias de mi trabajo. Hacerlo bien. Ello me ha llevado a un camino de descubrimiento, primero de mí mismo. Ese camino usa la forma y ésta debe estar imbricada en las leyes que rigen la materia en equilibrio"

Eladio F. Dieste

JAVIER GIL

Hace como un año y gracias a mi amiguita Irene -excelente mezzo, mejor persona- y su fotolog tuve oportunidad de conocer algo de la obra de un artista uruguayo para mí desconocido hasta ese momento. Me llamó la atención una foto que posteó ella sobre algo que decía "La Fuente del Fauno en Carmelo, de Javier Gil", obviamente empecé a buscar info y me encontré con un trabajo para mi muy singular pero de todas formas espectacular.

Javier Gil nace en Montevideo en 1961. En el 78 empieza sus estudios en el Instituto de Bellas Artes "San Francisco de Asís" con Clever Lara (pintura) y Freedie Faux (escultura), nada más ni nada menos. En el 80 se traslada a Buenos Aires donde estudia en la Escuela Estímulo de Bellas Artes, a partir de ahí comienza a participar en innumerable cantidad de concursos y muestras, ganando varios premios. (algunos de ellos abajo detallados)

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• 1984 Concurso de Arte Nacional patrocinado por el BID (Participa en Pintura).
  V Salón Departamental de Artes Plásticas y Visuales de San José PREMIO ADQUISICIÓN EN PINTURA.
  V Salón de Pintura Automóvil Club del Uruguay.
• 1986 Tercer Salón Nacional de Maldonado.
  PRIMER PREMIO PINTURA.
  7º Salón Leonístico de Artes Plásticos de la Juventud. PRIMER PREMIO ESCULTURA, PRIMER PREMIO PINTURA.
  Concurso 80 Aniversario del Yatch Club Uruguay. PINTURA.
• 1987 Bienal del Papel, Museo de Arte Americano de Maldonado, (MAAM). Mención de Honor. PREMIO CHARLES LOCKE DE MINIGRABADO.
  International Graphic Art Foundation, (IGAF). New York, USA.
  Seleccionado por la Comisión de Artes Visuales del Museo Nacional, para representar al Uruguay en el Festival Internacional de Pintura CAGNES SUR MER. Francia.
• 1989 Mención de Honor en el Concurso Paul Cezanne, organizado por la Embajada de Francia en Montevideo.
• 1993 "Vorágine" Galería Detursa, Madrid, España.

Además de uruguay, ha expuesto en lugares como Madrid, Barcelona -España-, París, Bordeaux, Nantes, Toulouse -Francia-, Lisboa -Portugal-, Erfurt, Berlín, Frankfurt -Alemania-, Reyjavik -Islandia-, Buenos Aires -Argentina-, Toronto -Canadá-, entre otros. Lo maravilloso de su obra es para mi con la cantidad de detalles que está hecho, las figuras humanas son excepcionales, la serie de las ciudaes mejor aún. espero lo disfruten, o al menos lo conoscan.

Gran parte de su obra pertenece a las siguientes colecciones: Presidencia de la República, Ministerio de Educación y Cultura, Galería Bruzzone, Galería Sur (Montevideo), Colección Lucio Cáceres, Colección Julio María Sanguinetti, Colección Mariano Arana, Colección Peirano Facio, Colección Eduardo Luciani (Uruguay), Galería Afinza (Madrid), Galería Detursa (Madrid), Galería Ektachrom (Erfurt, Alemania), Colección Hans Jürgen Döpp (Frankfurt), Colección Engel (Frankfurt, Alemania), Galería Carlos Pierre (Portugal), Colección Pompeu Magalhaes (Aveiro, Portugal), Colección José Sacramento (Aveiro, Portugal), Colección José Félix Merladett (Luxemburgo).

www.javiergil.com

LO QUE ES TALENTO EN ARCILLA...

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ALESSI, MAS DE 60 AÑOS DE DISEÑO

A muchos les costará pensar que en objetos tan domésticos como un sacacorchos, una cafetera o un exprimidor puedan contenerse auténticas obras de arte. Sin embargo, las creaciones de la firma italiana Alessi han conseguido convertirse en verdaderos iconos del diseño industrial.

Tuvo sus orígenes en un taller para la elaboración de chapas de latón y alpaca con fundición para accesorios del hogar. El gusto por el diseño, los nuevos materiales y las tecnologías punteras hicieron progresar una fabrica que derribó su primera barrera a finales de los años 20, cuando el diseño imperante seguía las tendencias de Austria e Inglaterra. Alessi consiguió atraer a las familias italianas con piezas personalizadas en metal que forman ya parte de la historia de varias generaciones.

En los años 30 se desmarcó; tuvo su detonante en los 50, con la incorporación de diseñadores nacionales de prestigio; en los 70 experimentó la verdadera "revolución" abriéndose a colaboraciones de escultores y arquitectos internacionales; en los 80 introdujo materiales distintos al acero (madera, vidrio, plástico...); y en los 90, como hasta hoy, sigue ampliando su capacidad de expresión en todos los sectores de la vida doméstica contando con los diseñadores más prometedores del panorama actual.

A lo largo de su historia, en su afán por convertir cualquier objeto en diseño, ha contado con el respaldo de profesionales como Mendini, Graves, Sottsass, Castiglioni, Starck, Giovannoni... que han puesto nombre a objetos cotidianos, como el sacacorchos Anna, la cafetera Cupola, el exprimidor Juicy Salif, el cenicero Spirale, sin olvidar uno de los arquetipos de la primera era del diseño italiano, los servicios del té y de café "Bombé", o una de las formas más conocidas como son las ollas con los pájaros de Michael Graves.

Huir de lo clásico para apostar por unas creaciones que rompen con lo establecido pero siempre con un carácter funcional, es la intención de la firma italiana, convengamos que no es lo mismo tener un tapón para la bañera que poner a Mr. Suicide...

GUGGENHEIM

Hace algunos años canturreando por ahí me tocó andar por España; algunos días libres, un amigo vasco...buee terminamos en Bilbao, y ahí, a la vuelta de alguna esquina apareció el Guggenheim.
Un gigante de titanio en medio de la ciudad a orillas de la ría del Nervión que acapara toda la atención vengas desde donde vengas.

El Museo Guggenheim Bilbao es un museo de arte contemporáneo localizado en Bilbao, País Vasco, España. Se trata de uno de los varios museos de la Fundación Solomon R. Guggenheim (Fundación artística creada en 1937 para la promoción del arte moderno. Cuenta con varias sedes por todo el mundo, la mayoría de ellas de gran calidad arquitectónica -New York, Venecia, Berlin, Las Vegas y está prevista una en Abu Dhabi en 2010)


A la entrada del museo y a modo de bienvenida nos recibe Puppy, una escultura gigantesca de casi cuatro metros de altura; adquiere su forma gracias a una estructura de acero inoxidable diseñada mediante un sofisticado programa de modelado que da vida a un perro -West Highland terrier- con todo su cuerpo tapado de flores y césped, obra de Jeff Koons.

El museo fue abierto como parte de un esfuerzo de revitalización de la ciudad de Bilbao y la provincia de Vizcaya llevada a cabo por las administraciones publicas del País Vasco. Casi desde su apertura el museo se convirtió en una importante atracción turística atrayendo visitantes de numerosos países -entre ellos a mi casi sin querer- y constituyendo el símbolo más importante de la ciudad de Bilbao.

El diseño del museo y su construcción siguen el estilo y métodos de Frank Gehry. Como muchos de sus trabajos anteriores la estructura principal está radicalmente esculpida siguiendo contornos casi orgánicos. El museo afirma no contener una sola superficie plana en toda su estructura. Parte del edificio es cruzado por un puente elevado y el exterior está recubierto por placas de titanio y por una piedra caliza que fue muy difícil de encontrar (al final se logró encontrar en Andalucía).


El edificio visto desde el río aparenta tener la forma de un barco rindiendo homenaje a la ciudad portuaria en la que se inscribe. Sus paneles brillantes se asemejan a las escamas de un pez recordándonos las influencias de formas orgánicas presentes en muchos de los trabajos de Gehry. Visto desde arriba sin embargo, el edificio posee sin embargo la forma de una flor. Para su diseño el equipo de Gehry utilizó intensamente simulaciones por ordenador de las estructuras necesarias para mantener el edificio consiguiendo unas formas que hubieran sido imposibles de realizar unas pocas décadas antes.


Esa visita me dio la posibilidad de pararme frente a las obras de Kandinsky -que me gustan mucho- el Guernica de Picasso, Roy Lichtenstein gran cultor del comic a gran escala (atención para mis amigos fanáticos del género) o la archiconocida Marilyn de Andy Warhol.

VIENE SABINA, VIENE SABINA...

Si, viene Sabina nuevamente con un éxito pero no solo a cantar...se viene un nuevo libro y es ni más ni menos que su biografía.

Iba para profesor de Literatura o quizás en pleno servicio militar pudo acabar de periodista. Pero las musas o las hadas quisieron finalmente regalarnos uno de los mejores poetas vivos en lengua española y todo un mito de la canción que, a sus “cuarenta y diecisiete”, sigue emocionando con su voz rota a varias generaciones. Joaquín Sabina ha pasado tres años soportando la “nube negra”que le llevó a encerrarse en su piso madrileño, después de rechazar a la parca en forma de ictus cerebral.

Pese a quien pese, Joaquín Sabina se confiesa del todo en sus memorias definitivas: Sabina, en carne viva. Yo también sé jugarme la boca (Ediciones B), que se publicó el 4 de septiembre.

“Me siento culpable de haber contribuido a mi caricatura: la de un borrachín putero metiéndose rayas”.

Un libro lleno de inteligencia que sorprenderá a propios y a extraños, escrito por el propio cantante y el periodista Javier Menéndez Flores, su biógrafo. El artista jienense desvela anécdotas inéditas de su azarosa vida y aborda, sin omitir detalle, cuestiones peliagudas como el alcohol, las drogas y la prostitución. Habla también de política, de amor, de su familia, de sus enemigos… y lo hace con el ingenio, sabiduría y mordacidad que le caracterizan.

Esta biografía, que llega tras la exitosa Perdonen la tristeza de Menéndez, donde ya desvelaba algunos secretos de la vida de Sabina, es “salvajemente sincera” y “rebosa aliento y juventud”, según la editorial.

Algunos conceptos como solo Sabina sabe decirlo...

Las magdalenas (prostitutas)... “Aún me sorprende que no haya aparecido una de éstas (prostitutas) en un programa del corazón, porque, carajo, hay miles. Siempre las he querido, siempre las he respetado, siempre les he pagado el doble de lo que pedían y la inmensa mayoría de las veces no me las he tirado. No por respeto, sino porque yo sé que tampoco son tan vocacionales”.
Política: ni dios ni patria ni rey. Ácrata y rojo...“Lo que yo soy es rojo. Dicho en el sentido en el que lo decían los rojos de la Guerra Civil, que no eran comunistas ni anarquistas. Eran rojos. Para mí eso viene de la Revolución Francesa: libertad, igualdad y fraternidad. Es que no quiero utilizar la palabra progresista, porque los hijos de puta de la derecha la han cubierto de mierda. Progresista, no. Rojo”.
Monarquía..."No tengo el más mínimo respeto por la institución y todo el respeto por las personas. Pero por las personas no porque se llamen tal o cual, sino el que tengo por cualquier persona que me encuentro. Unos me parecen imbéciles y otros, muy listos. Borbones o borrachos de bar. Lo de los juancarlistas (aquellos que simpatizan con la figura del Rey Juan Carlos o mejor dicho con su persona, fruto de su campechanía y savoir faire, y no necesariamente con la Corona) es la misma historia. Yo no soy monárquico ni juancarlista. Estos últimos se creen menores de edad también y creen que este rey se ha ganado el sueldo. Pero a mí no me gusta pagarle el sueldo a nadie. En pleno siglo XXI es muy siniestro seguir hablando de reyes. Es muy lamentable, muy anacrónico y muy antiguo”.

ABORIGINAL ART

Buscando imágenes por ahí me topé con el Arte Aborigen Australiano y quedé muy sorprendida con la explicación tanto o más que con las imágenes.

SUEÑO es una traducción aproximada de lo que es el arte para ellos, ya que no hay una palabra equivalente en nuestro lenguaje. Cada grupo aborigen tiene su propia palabra para referirse al arte, por ejemplo los Pitjantjatjara usan el término Tjukurpa, para los Arrernte es Aldjerinya y los Adnyamathanha usan la palabra Nguthuna.

El término SUEÑO es el más aceptable para los aborígenes ya que su inspiración muchas veces proviene de sueños, pero también de visiones recurrentes y revelaciones... Refiere a todo lo que es conocido y todo lo que es entendido por ellos, es la forma en que los aborígenes tratan de explicar su existencia, su vida...es una excelente manera de describir el arte...

En la revista Caretas de Perú, Mario Vargas Llosa escribía sobre una galería en Merlbourne dedicada al arte indígena, La galería de los sueños:

"...ese universo multicolor de círculos, palotes, puntos, rayas, paralelas, ángulos, planos y curvas que me rodea se ha transfigurado y es una miríada de testimonios históricos y mitológicos, de historias risueñas o trágicas, detrás de la cual bulle una humanidad en plena efervescencia vital, que recrea su pasado, invoca a sus ancestros y dioses, describe la naturaleza o protesta contra su ruina y su extinción valiéndose de un simbolismo que, siendo elemental, es también imaginativo y sutil." http://www.caretas.com.pe/2002/1743/columnas/mvll.phtml